«Золушка» создана по мотивам сказки Шарля Перро при участии композитора И. Рогалева, продюсера и сценариста А. Максимычева, художницы Т. Мельниковой и актрисы Е. Агеева (лауреат премии «Золотая Маска»). Этот вольный пересказ истории Перро приближает нас к атмосфере домашнего театра. По форме «Золушка» – это полная юмора пантомима, а зрители от мала до велика приходя в восторг от прекрасного оформления постановки, веселой музыки и выразительных марионеток, изготовленных из дерева по традиционным технологиям. Поражает также мастерство актрисы, которая ловко управляет 21 марионеткой. «Золушка» удостоена сразу двух премий «Золотая Маска».

«Соня» – это театральная миниатюра, главной героиней которой стала женщина, чья судьба сыграла с ней злую шутку, но это странным образом становится и ее величайшим счастьем.
Соня не очень сообразительна, непривлекательна и немного одинока. Но и у нее есть свои таланты: она отличный кулинар и швея, а также замечательно умеет играть на нервах окружающих. Однажды Соня получает очень чувственное и глубокое любовное послание, и сердце девушки воспламеняется страстью. Соне невдомек, что письмо, изменившее ее жизнь навсегда, написано ее вредной подругой Адой.

Вплоть до сегодняшнего дня эта знаменитая на весь мир история вызывала ассоциации с балетом Чайковского. Теперь же, благодаря усилиям композитора И. Рогалева, режиссера А. Максимычева и художницы Т. Мельниковой, было найдено новое жанровое решения для известной и всем любимой сказки. Баллада – самый распространенный в Средневековье жанр, стала основным выразительным инструментом, благодаря использованию вокала в сочетании с речитативом. “Спящая красавица” в интерпретации театра “Кукольный дом” – это пьеса для детей, которые считают себя уже вполне взрослыми, и для взрослых, которые понимают, что, по сути, они все еще остались детьми.

В одном из самых знаменитых Чеховских произведений вечная тема тоски по несбыточному раскрывается через призму повседневности и будничных жизненных явлений. Несбывшиеся надежды, бесцельный труд и загубленная жизнь – все эти темы и сегодня находят отклик во многих сердцах. Знаменитое восклицание Ивана Войницкого “Я не жил!” звучит пророчески спустя целое столетие.

Великая актриса Сара Бернар пытается восстановить события далекого прошлого. В своих мыслях она вновь переносится на сцену, в свое детство, или переживает конфликт с матерью, беседует со своим возлюбленным. К чему все это? Ей необходимо наполнить свою увядающую жизнь эмоциями и страстями. Ей все еще нужны сцена и партнеры. Она произносит монологи и вступает в воображаемый диалог со своим секретарем Питу.

Ей так и не удалось сказать важные слова, поэтому Сара Бернар упрямо продолжает свой спор с собеседниками, которых уже давно нет на свете. Накануне ухода в вечность она вновь переживает прежние чувства, страдания и целый фейерверк иррациональных порывов. Но ведь именно из этого соткана жизнь и соткан театр.

В своей работе “Убежище” Рами Беэр исследует такие понятия, как культурная идентичность, чужеродность, давление, свобода, чувство сопричастности, родина и дом. Следуя его интерпретации, эти понятия универсальны и имеют одинаковую важность для любого человека в независимости от времени и места его обитания. Потребность в месте, которое воспринималось бы как “дом” – это важнейшая часть экзистенциального опыта.
Танцевальная компания “Kibbutz” является одним из мировых лидеров в направлении современного танца и уже прочно ассоциируется с работой художественного руководителя компании Рами Беэра, чей уникальный хореографический опыт стал визитной карточкой коллектива в Израиле и за рубежом. Благодаря высокой технической подготовке танцоров, эклектичности и динамичному характеру труппы, коллектив воплощает собой все лучшее в современной израильской хореографии и регулярно выступает на самых престижных театральных площадках и фестивалях по всему миру.

Мрачноватые звуки бубенчиков и древних инструментов, шкуры животных и охотничьи рожки – вот колорит постановки Алессандро Серра. Спектакль наполнен магией жеста и голоса, в нем ощущается дионисийское начало, но вместе с тем поражает отточенная пластика танцоров и точность вокальных партий. На сцене хмурые маски, льются кровь и красное вино, бушуют силы природы, усмиряемые человеком. На сцене – мрачная, темная зима. Можно обнаружить еще много других аналогий, роднящих великое творение Шекспира и целую коллекцию найденных на Сардинии масок. Там, где итальянский остается языком литературным, сардинский диалект превращается в песню.

Действие разворачивается в пустом игровом пространстве, которое оживает лишь благодаря телам актеров и их дару сценического присутствия среди камней, железа, крови, военной атрибутики и останков нурагийской цивилизации. В центре всего – материя, не несущая смысла и первобытные силы, неминуемо влияющие на объект.

Этот проект, родившийся в результате творческого тандема продюсера Эльшана Мамедова и режиссёра и хореографа Игоря Оршуляка, является своего рода уникальным явлением на российской сцене.

Ключевым оказалось решение уйти в сторону от популярного жанра “музыкального капустника” и трансформировать его в серьезное драматическое представление, где история рассказана посредством музыки. В спектакле сошлись все жанры от танца и пантомимы до циркового представления. Исполнители танцуют степ, совершают акробатические трюки и все это, не прекращая вживую играть на музыкальных инструментах.

Шоу «Ночной Париж» переносит зрителя в чувственную и волнующую атмосферу варьете 30-х годов прошлого века. На сцене возникает мир страсти, любви и одиночества, словно сотканный из мгновений, пойманных в объектив знаменитого венгерского фотографа Брассая, мгновений судеб ночных бабочек, уличных бродяг и тайных любовников, отвергнутых обществом. Ночная жизнь декадентского, но ослепительно прекрасного Парижа 30-х оживает благодаря великолепным цирковым артистам, танцорам и музыкантам.

Целью постановки “Евгения Онегина” Римаса Туминаса не являлась полная сценическая адаптация поэмы А.С. Пушкина.

Режиссер выбрал историю любви Онегина и Татьяны в качестве центрального сюжета. Вся история разворачивается в воспоминаниях пушкинских героев. Из комнаты Онегина мы переносимся в его загородную резиденцию, затем – в дом Лариных, в Москву, и, наконец, обратно – в покои Онегина.

Масштаб событий меняется от сцены к сцене – от шумных праздников и застолий к одиноким размышлениям, от массовых сцен к воспоминаниям, которые всплывают из прошлого, совсем как любовные послания Татьяны, которые украшают стену напротив кресла Онегина.

Целью постановки “Евгения Онегина” Римаса Туминаса не являлась полная сценическая адаптация поэмы А.С. Пушкина.

Режиссер выбрал историю любви Онегина и Татьяны в качестве центрального сюжета. Вся история разворачивается в воспоминаниях пушкинских героев. Из комнаты Онегина мы переносимся в его загородную резиденцию, затем – в дом Лариных, в Москву, и, наконец, обратно – в покои Онегина.

Масштаб событий меняется от сцены к сцене – от шумных праздников и застолий к одиноким размышлениям, от массовых сцен к воспоминаниям, которые всплывают из прошлого, совсем как любовные послания Татьяны, которые украшают стену напротив кресла Онегина.

Целью постановки “Евгения Онегина” Римаса Туминаса не являлась полная сценическая адаптация поэмы А.С. Пушкина.

Режиссер выбрал историю любви Онегина и Татьяны в качестве центрального сюжета. Вся история разворачивается в воспоминаниях пушкинских героев. Из комнаты Онегина мы переносимся в его загородную резиденцию, затем – в дом Лариных, в Москву, и, наконец, обратно – в покои Онегина.

Масштаб событий меняется от сцены к сцене – от шумных праздников и застолий к одиноким размышлениям, от массовых сцен к воспоминаниям, которые всплывают из прошлого, совсем как любовные послания Татьяны, которые украшают стену напротив кресла Онегина.

Что сподвигло Жана Ануя обратиться к трагедии Еврипида? С одной стороны – наше время, когда постоянный страх потери социального статуса разрушает личность, пагубно влияет на культуру и политику. С другой стороны, это попытка отрицания общественного груза и стремления к непрерывным развлечениям и безудержному веселью. Тот факт, что общество не выказывает ни малейшего стремления к изучению своей истории болезни, пугает, а ксенофобия, расизм и насилие поднимают голову. На фоне катастрофического падения морали, общего цинизма и стремления к богатству и растущей власти денег, человеческая суть постепенно разрушается. Лишь самые стойкие смогут сохранить свою индивидуальность и независимость, не примкнув к массовой философии богатства. Эти редкие смельчаки отказываются от соблазительного постулата “Я как все”, понимая разрушительную силу безликой толпы. В “Медее” Ануя звучат отголоски Евридиповской трагедии, а ее язык вполне современен. Диалоги, происходящие между героями, перетекают из прошлого в настоящее и обратно, так как создателям постановки очень хотелось вычленить смысл в потоке слов и действий.

Их цель удивить, потрясти и заворожить вас своим музыкальным мастерством и уморительными комедийными приемами.

“Оле!” – это взрывной коктейль из фламенко, эксцентрики и клоунады, великолепный замес, созданный режиссером Полом Морокко. В постановке есть идеальное сочетание фламенко, сальсы, свинга, блюза, джаза и поп-музыки.

Трое латиноамериканских мачо поднимают комедию на новый уровень абсурда, музицируя и жонглируя гитарами, плюясь друг в дружку шариками для пинг-понга и приглашая зрителей на самый, пожалуй, безумный, шумный и увлекательный праздник, который им приходилось переживать.

Герои – мужчина и женщина в сложных отношениях. Они стоят на сцене в полной растерянности и в окружении предметов одежды. Их мысли и чувства переданы через пластику их тел и движения тех самых предметов одежды, которые в спектакле живут своей собственной жизнью.

Спектакль “Отъезд” поставлен художником и настоящим волшебником Калле Нио. Он показывает нам героев, отдалившихся друг от друга и теперь дрейфующих в море иллюзий и образов. Спектакль наполнен таинственной атмосферой, постоянной сменой абсурдистского юмора и трагедии, как в работах знаменитых иллюзионистов XIX века. Зрителям постановка подарит уникальный эмоциональный опыт, благодаря сочетанию циркового представления, магии, танца, необычных дизайнерских костюмов и визуального искусства.

Пьеса азербайджанского писателя-сатирика, журналиста, просветителя и общественного деятеля Джалила Мамедкулизаде, широко известного под псевдонимом Молла Насреддин. В произведении писатель касается темы социального неравенства.
Спектакль Камрана Шахмардана – сатирический этно-рок мюзикл. Действие происходит в Иране, в городе Тебриз, и является своего рода манифестом против невежества, фанатизма и темных сил старого общества.
Спектакль создан специально по инициативе YARAT и приурочен к открытию 3-го международного театрального фестиваля М.А.Р.
Камран Шахмардан, азербайджанец, долгое время проживающий в Финляндии, где он основал свой фестиваль Black&White Theatre Festival и одноименный театр. В 2018 году был назначен художественным руководителем фестиваля М.А.Р.

Из того, что казалось небольшой миниатюрой, набором разрозненных эпизодов, чудесным образом складывается история, и процесс этот напоминает сложенный паззл. В спектакле, где нет слов и диалогов рассказана история одиноких мужчины и женщины. Путешествуя по миру в поисках любви, они меняются ролями, примеряют разные маски и управляют марионетками. В финале нас не ждет счастливая развязка, но удивительное путешествие само по себе приносит чувство удовлетворения.

Обычный полицейский участок. Задержанный – молодой человек (лет тридцати) житель подмосковного Подольска. Причина задержания не ясна – трезв, аккуратен, документы в порядке, личность установлена. Но служители порядка всё равно устраивают ему эмоциональный допрос, угрожают подбросить наркотики или пару «висяков», чтобы улучшить показатели. Типичная ситуация из криминальных сводок и детективных сериалов… но стоит ли так недооценивать родную полицию?
Вопросы полицейских абсолютно не соответствуют протоколу и законам здоровой логики.

Это спектакль для тех, кто постоянно чем-то недоволен – сырым климатом, скучной работой, безучастным мужем или женой, унылой жизнью. Возможно, именно им стоит побывать в том самом отделении полиции, куда попал «Человек из Подольска».

Авторы этой постановки предлагают нам собственный взгляд на мировую историю и приглашают нас отправиться в аудиовизуальное путешествие по событиям, которые стали ключевыми в развитии человечества. Проделав очень серьезное исследование о роли вещей в нарративном процессе, режиссер и исполнители создали уникальный по своей сути урок истории, в котором соединились объекты вещественного мира, хореография и световые проекции.

Авторы этой постановки предлагают нам собственный взгляд на мировую историю и приглашают нас отправиться в аудиовизуальное путешествие по событиям, которые стали ключевыми в развитии человечества. Проделав очень серьезное исследование о роли вещей в нарративном процессе, режиссер и исполнители создали уникальный по своей сути урок истории, в котором соединились объекты вещественного мира, хореография и световые проекции.

Авторы этой постановки предлагают нам собственный взгляд на мировую историю и приглашают нас отправиться в аудиовизуальное путешествие по событиям, которые стали ключевыми в развитии человечества. Проделав очень серьезное исследование о роли вещей в нарративном процессе, режиссер и исполнители создали уникальный по своей сути урок истории, в котором соединились объекты вещественного мира, хореография и световые проекции.

Спектакль “Соль земли” основан на культовом израильском романе “Дорога в Эйн-Харод” писателя Амоса Кенана, где рассказана история мятежного романиста, который бежит от военного переворота, ища убежища в Эйн-Хароде, месте, которое считают последнем бастионом сопротивления. Зритель наблюдает за трагическим циклом военных событий глазами главного героя – безликой, безымянной марионетки, которая пробирается сквозь миниатюрный город, пока пластиковые цистерны катятся по бумажным улицам в обрамлении ближневосточных пейзажей (чтобы создать последние, потребовалась тысяча фунтов соли). Посредством специальной камеры, которая показывает все события в приближении, видео передается на большой киноэкран, нависающий над городком.

“Соль земли” сочетает киноповествование в реальном времени и театр, рассказывая историю земли, которая не знает покоя и людей, которые ведут бесконечную борьбу за выживание. Живые картины возникают, разрушаются и вновь строятся прямо на глазах у зрителей, пробуждая в них мысль о том, как далеко мы все готовы зайти в борьбе за свободу.